在这些渐变色里,完成一场冥想 | 发现小众艺术家


作者:Morning Rocks



首先,要提到一位名声显赫的艺术家。


在乔布斯生前的最后几年里,他反复思考「Apple 新总部大楼的墙上,应该挂什么东西才能最大化激发员工的灵感」


而得到他认可那位艺术家,就是 Mark Rothko。



欣赏 Rothko 的作品,会让人感觉仿佛置身于他所营造的精神空间里,而不是身处陈列其作品的现实空间。


对画家自己而言,绘画是表达其精神、信仰和生存意义的工具。


「绘画,一定要象奇迹一样。」



他一直对作品的展示方式有着苛刻的要求,希望要挂得够高,配合昏暗的光线,以达到一种沉浸体验甚至冥想的氛围。


在 Mark Rothko 成熟期的绘画作品中,经常可以见到两三个色彩明亮、边缘柔和、微微发光的矩形色块,它们毫无重量感地排列在一起,如同一种自由的思想漂浮于画布上空。


艺术家力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。



简练、单纯,但却如磁石般将人深深吸引。


Mark Rothko 在绘画中注入了强烈的精神成分, 这些画作以一种让人萦绕心头而不能忘怀的朴素闻名。



如此简单的色彩作品也能打动人吗?


已故的 Barnett Newman 就曾创造了一个这样惊人的记录:


著名抽象表现主义画家 Barnett Newman 在 1953 年的画作《Onement Vi》,在纽约苏富比拍卖行以将近 29 亿人民币的惊天价格被拍下


接下来要说到的另外两位小众艺术家,也在做类似这样纯粹的创作。


他们的作品里,只有颜色。




出生于 1965 年的摄影师 Stefan Heyne,已经不是年轻人了。


可能是岁月和对于美感的精炼,让他现在的作品完全忽略具体元素,不使用任何可识别的物质存在,而是选择了最为抽象的照片。


纯粹的,模糊的光影。


《SUPER VISION》


《NAKED LIGHT》


《YOU and ME》


艺术评论家称,这是 Stefan Heyne 的作品最为激进的时期。


他称呼这些颜色为「Naked light」,意为裸光,或明火。从这些摄影作品中你感受不到刻意为之的镜头虚化,或人为模糊,而是对无穷空间的眺望。


他举办过无数场展览,下图的这一场名字我最喜欢,是一句拷问:Who is afraid of photography?


是谁在害怕这些照片呢?



颜色有的时候,确实好像会吃人。



这位艺术家叫 Jonny Niesche,很难找到他对于作品的自我宣传,亦从不阐述创作理念。


只是安静地把作品放在画廊展出,一个个城市延展,然后像一名旁观者一样观察看展人在自己的作品面前驻足,沉思。




Jonny Niesche 把颜色绘制在薄纱上,使用特殊的晕染技术,再跟特殊选制的玻璃结合,让表面的光泽更加柔和,突显颜色。



放松心情,不用刻意从艺术作品里寻找什么伟大而深刻的含义,仅仅是体会那些颜色,以及观察此时自己的内心世界。


这些渐变色,好像会把人吸收进去一样。


《Picture This》



《Loop solvent》


《Sundial》


《Veils on Veils》


《Let's Fuck (desert meadow) 》


《Smut of the sun》



《Cosmos Cosmetics》


《Cosmetic Calculator (Sunday sunrise) 》





为什么会有艺术家热衷于如此纯粹抽象的色彩表达?


Mark Rothko 是这么解释的:


我只感兴趣于如何表现人类最基本的情感,悲剧、狂喜或毁灭的等等。


一些人在我的画前大哭,说明我的确成功地表达出了这种感情。这些落泪的人感受到与我作画时相同的宗教体验。


而若你只是被画面上的色彩与光影感动,那么你并没有没有抓住这艺术的核心。





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